Countries

Almost every country ending in an “e” is a feminine country

la France (France)
la Belgique (Belgium)
l’Allemagne (Germany)
l’Algérie (Algeria)
la Chine (China)
la Guyane (Guiana)
la Russie (Russia)
la Corée (Korea)

However, there are a few exceptions to the rule above which can only be solved through memorization. Many French textbooks reiterate this point. 

le Belize (Belize)
le Mexique (Mexico)
le Mozambique (Republic of Mozambique)
le Zimbabwe (Zimbabwe)
le Zaïre (Republic of Zaire)
le Cambodge (Cambodia)

Genders of Countries in French

Simple Example Sentences:

I come from the United States.
Je viens des États-Unis.

We are in France.
Nous sommes en France.

You’re going to China tomorrow.
Vous allez en Chine demain.

She’s from Brazil.
Elle vient du Brésil.

WHAT PREPOSITION DO I USE WITH DIFFERENT FRENCH LOCATIONS?

When you want to use a location with the prepositions to or in, then follow the rules listed below.

1) When referring to a city mainly use à
J’irai à Marseilles. I will go to Marseilles.

2) When referring to a city with an article use à + article
Nous sommes à la Nouvelle Orleans. We are in New Orleans.

3) When referring to a feminine country use en
J’aime les gens en France. I love people in France.

4) When referring to a masculine country which starts with a vowel, use en
Il est en Iran. He’s in Iran.

5) When referring to a masculine country which starts with a consonant, use au
On mange des tacos au Mexique. We eat tacos in Mexico :)

6) When referring to a country that is plural, use aux
Aux États-Unis, il y a beaucoup de problèmes. In the United States, there are many problems.

                                                                         source http://frenchcrazy.com

Les animaux

Le Verbe

Noms, pronoms, prépositions, verbes, adverbs, conjunction

La machine du pluriel

Mon visage

Negation- Laura K. Lawless

Making sentences negative in French is a bit different than in English, due to the two-part negative adverb and the sometimes difficult placement. Normally, ne...pas is the first negative adverb that we learn. But there are actually many negative adverbs constructed just like it, so once you understand ne... pas, you can make just about any sentence negative.

USING 'NE'...'PAS'

To make a sentence or question negative, place ne in front of the conjugated verb and pas (or one of the other negative adverbs) after it.

Ne...pas translates roughly as "not."

   Je suis riche > Je ne suis pas riche.

   I'm rich > I'm not rich.

   Êtes-vous fatigué ? > N'êtes-vous pas fatigué ?

   Are you tired? > Aren't you tired?

Making sentences negative in French is a bit more complicated than in English. This summary of the different kinds of negation and negation-related grammatical structures should help clear up some of the confusion. The title of each negation category links to a detailed lesson with examples of usage and a quiz.

(Don't) just say non No, not a chance, I don't think so, and more.	non pas question !
Negative adverbs Negate or restrict the action of the verb they modify.	ne... pas ne... jamais
Negative adjectives Negate or cast doubt on a quality of the noun they modify.	ne... nul ne... aucun
Negative pronouns Negate or cast doubt on the existence of the noun they replace.	ne... rien ne... personne
Negative conjunction There's only one:	ne... ni... ni...
Negative questions There's a special French word to respond yes when someone else says no.	- Non. - Si !
Negating infinitives 2-part negative structures stay together in front of infinitives.	Ne pas toucher. Ne jamais fermer.
N'importe... expressions Designate an unspecified person, thing, or characteristic.	n'importe qui n'importe quel...
Pas Negate a non-verbal structure.	pas beaucoup pas souvent
Double negatives Two negatives don't make a positive in French.	Ce n'est pas rien. Je n'ai jamais vu personne.
Formal negation There are three negative structures particular to formal French.	ne... point avant qu'il ne...
Informal negation Ne is often dropped in spoken French.	Je sais pas. Bouge pas !

In compound verbs and dual-verb constructions, the negative adverbs surround the conjugated verb (except for nulle part, which follows the main verb).

   Je n'ai pas étudié.

   I didn't study.

   Nous n'aurions pas su.

   We wouldn't have known.

   Il ne sera pas arrivé.

   He won't have arrived.

   Tu n'avais pas parlé ?

   You hadn't spoken?

   Il ne veut pas skier.

   He doesn't want to ski.

   Je ne peux pas y aller.

   I can't go there.

When there is an indefinite article or partitive article in a negative construction, the article changes to de, meaning "(not) any":

   J'ai une pomme > Je n'ai pas de pomme.

   I have an apple > I don't have any apples.

USING 'NE' AND AN ALTERNATIVE TO 'PAS'

Ne...pas is the most common French negative adverb, but there are a number of others that follow the same rules of grammar.

ne...pas encore not yet

Il n'est pas encore arrivé. He has not arrived yet.

   

ne...pas toujours not always

Je ne mange pas toujours ici. I don't always eat here.

   

ne...pas du tout not at all

Je n'aime pas du tout les épinards.   I don't like spinach at all.

   

ne...pas non plus neither, not either

Je n'aime pas non plus les oignons.   I don't like onions either.

   

ne...aucunement not at all, in no way

Il n'est aucunement à blâmer. He is in no way to blame.

   

ne...guère hardly, barely, scarcely

Il n'y a guère de monde. There's hardly anyone there.

   

ne...jamais never

Nous ne voyageons jamais. We never travel.

   

ne...nullement not at all

Il ne veut nullement venir. He doesn't want to come at all.

   

ne...nulle part nowhere

Je ne l'ai trouvé nulle part. I couldn't find it anywhere.

   

ne...point not (formal/literary equivalent of ne...pas)

Je ne te hais point. I don't hate you.

   

ne...plus no more, not anymore

Vous n'y travaillez plus. You don't work there anymore.

   

ne...que only

Il n'y a que deux chiens. There are only two dogs.

USING 'PAS'  WITHOUT 'NE'

The French negative adverb pas is often used together with ne, but pas can also be used all by itself for various reasons. 

Pas can be used without ne to negate an adjective, adverb, noun, or pronoun. But it can also be used to negate a verb, and this is explained in the lesson on informal negation. Note that this use of pas alone is somewhat informal. In most cases, you should be able to construct a sentence using ne...pas that means the same thing.

Pas + Adjective

   Il doit être ravi ! Pas ravi, mais content, oui.

   He must be delighted! Not delighted, but (yes, he is) happy.

   C'est un homme pas sympathique.

   He's not a nice man.

   Pas gentil, ça.

   That's not nice.

   Pas possible !

   That's not possible!

Pas + Adverb

   Tu en veux ? Oui, mais pas beaucoup.

   Do you want some? Yes, but not a lot.

   Ça va ? Pas mal.

   How are you? Not bad.

   Pourquoi pas ?

   Why not?

   Pas comme ça !

   Not like that!

   Pas si vite !

   Not so fast!

   Pas souvent, pas encore, pas trop

   Not often; not yet; not too much

Pas + Noun

   Elle vient mercredi ? Non, pas mercredi. Jeudi.

   Is she coming on Wednesday? No, not Wednesday. Thursday.

   Je veux deux bananes. Pas de bananes aujourd'hui.

   I want two bananas. No bananas today.

   Pas de problème !

   No problem!

Pas + Pronoun

   Qui veut nous aider ? Pas moi !

   Who wants to help us? Not me!

   Tu as faim ? Pas du tout !

   Are you hungry?Not at all!

   Ah non, pas ça !

   Oh no, not that!

Pas + Verb

   Je ne sais pas. > Je sais pas. Or contractions that are even more colloquial such as: 

   J'sais pas, Sais pas, and even Chais pas.

   I don't know.

Pas can also be used to ask for confirmation:

   Tu viens, ou pas ?

   Are you coming or not?

  Je l'aime bien, pas toi ?

  I really like it, don't you?

   Pas vrai ?

   Right? or Isn't that true?

Note: Pas can also be a noun meaning "step," which is found in many French expressions.

source

https://www.thoughtco.com/french-negative-adverbs-1368801

Le masculin et le féminin des noms

Le genre des noms

Les noms

À la ferme

Pays et Nationalités

À la plague

Ma ville

Au parc

Dans la forêt

Ma fête d'anniversarie

Ma chamber

À la Maison

CONTRASTES ET COULEURS

Photographie Contraste

Le contraste d’une image correspond à la différence de densité qu’il existe entre les teintes les plus claires et les teintes les plus sombres d’une image. Une image bien contrastée est donc une image qui présente le plus de teintes intermédiaires proches du noir et du blanc.Il est donc indispensable au photographe de bien paramétrer l’exposition de son appareil avant la prise de vue afin de restituer un maximum de contrastes et de détails . Le contraste d’une image dépend principalement de le quantité de lumière présente en prise de vue ainsi que son orientation. En effet, une lumière très forte produit des ombres très denses, et inversement.

Placement du photographe

Notre positionnement par rapport à la source lumineuse est indispensable à de bons contrastes et de belles teintes. Le choix des contrastes permet au photographe de dynamiser l’image, améliorer le rendu et accentuer le message qu’il souhaite transmettre. Une image avec des contrastes faibles va sous-entendre une impression de calme et de douceur alors qu’une image très contrasté va être plus dure et plus expressive, plus inquiétante.

Attention!

Doucement sur la pédale il ne faut pas trop dynamiser l’image avec des contrastes trop forts car cela entraine souvent des couleurs saturées et des contours qui bavent, ce qui nuit considérablement à la qualité du visuel. Il est donc très important de trouver un équilibre de contraste permettant à la fois de monter des détails précis dans les hautes et les basses lumières tout en dynamisant l’image.

Pas assez de contraste, l’image parait voilée.

Image bien contrastée, les teintes et les couleurs sont respectées.

Image trop contrastée, manque de lisibilité des détails dans les zones d’ombre.

                                                                                           Source Naturephotographie.com

PROFONDEUR DE CHAMPS ET MISE AU POINT

La profondeur de champs

C’est un élément déterminant de l’image. C’est la distance qui sépare le premier et le dernier plan nets de l’image. Elle permet donc de cibler quelles zones de l’image apparaitront nettes et quelles zones seront floues. Elle met en valeur certains éléments du sujet représenté et donne ainsi une signification et un sens de lecture à l’image.

La profondeur de champ dépend de deux paramètres :

• La distance entre le sujet et le photographe, qui détermine la mise au point.
• L’ouverture du diaphragme qui détermine l’exposition (en fonction de la focale).

Ainsi, si l’on garde toujours la même ouverture et la même focale, plus la distance entre le sujet et le photographe sera grande plus il y aura de profondeur de champs. Toujours avec la même focale, plus l’ouverture est grande et moins il y a de profondeur et donc de zones nettes dans l’image.

Inversement

Plus on réduit l’ouverture et plus il y a de profondeur de champs.Enfin, avec la même ouverture et la même distance, plus la focale est grande, moins il y a de profondeur, et inversement. Pour un portrait, si on utilise une petite focale (28mm), il faut se rapprocher très près du sujet pour avoir une bonne profondeur, ce qui entrainera des déformations de l’image. Si on choisit une grande focale (200 mm), la profondeur de champs sera correcte mais il faudra s’éloigner du sujet, ce qui peut poser problème.

Image sans grande profondeur de champs.
Mise au point sur la chaussure au premier plan.
Le regard est attiré par cette masse rouge, seul élément net de l’image.

• Utiliser des focales moyennes (entre 50 et 100mm) pour réaliser des portraits avec une profondeur de champs intéressante et une ouverture moyenne. Ce choix de focale situera le photographe entre 2 et 4 mètres du sujet. Pour un paysage, le choix d’une grande focale ne permet pas d’avoir un champ de vison et une profondeur de champs très importants Il faut réduire considérablement l’ouverture pour obtenir une profondeur de champs correcte.. Choisir une petite focale qui élargira le champ de vison et augmentera la profondeur de champs, à ouverture moyenne. Une fois tous ces paramètres pris en compte, le photographe peut donc choisir la netteté qu’il souhaite attribuer à son image et donc mettre en avant certains éléments du sujet. Il va ainsi pouvoir déterminer vers quelles zones et vers quels détails orienter le lecteur, en créant un avant plan et un arrière plan par exemple.

Notons que des éléments flous (autres marcheurs) se situent dans des points forts de l’image et sur des lignes de force, ce qui attire le regard vers eux et accentue le message que souhaite transmettre l’auteur.

                                                                                           Source Naturephotographie.com

VITESSE D’OBTURATION

Elle est également appelée temps de pose et elle détermine donc le temps pendant lequel le capteur ou le film va être exposé à la lumière qui entre dans l’objectif. Ce temps de pose est contrôlé grâce à l’obturateur il est exprimé en secondes : 1 seconde – 1/2s – 1/4s – 1/8s – 1/15s – 1/30s – 1/60s – 1/125s – 1/250s – 1/500s – 1/1000s – 1/2000s (et plus…)

Avec une sensibilité et une ouverture constante, plus la vitesse est rapide, moins la lumière entre et plus la vitesse est lente, plus la lumière entre. La vitesse d’obturation permet donc de gérer l’exposition du film ou du capteur mais elle permet également de contrôler la représentation du mouvement dans l’image. En effet, plus la vitesse est rapide, plus le mouvement de l’image parait figé et stable. Inversement, plus la vitesse est lente et plus l’image pourra restituer l’impression de mouvement, filés, flous etc.

Attention à vitesse lente, il est parfois très difficile de stabiliser l’appareil et donc d’avoir un rendu correct. (Trépied conseillé)

Avec une grande vitesse d’obturation, le mouvement est figé et le surfeur « flotte » en l’air.

Une vitesse plus lente procure une notion de mouvement et de déplacement.

                                                                                           Source Naturephotographie.com

OUVERTURE ET FOCALE

Lorsque la lumière entre dans l’appareil, celle-ci passe au travers de plusieurs lentilles, séparées par le diaphragme.C’est donc en variant l’ouverture du diaphragme que l’on va laisser entrer plus ou moins de lumière sur le film ou le capteur.L’ouverture du diaphragme va être déterminante pour l’exposition d’une image mais également pour sa profondeur de champ. En effet, plus l’ouverture est petite, plus l’image aura une grande zone de netteté et donc plus de profondeur de champ.

Inversement, plus l’ouverture sera grande et moins il y aura de profondeur de champs dans l’image (à focale constante). Sur un appareil, c’est par des chiffres à l’avant du boitier : 1 – 1.4 – 2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 – 22 – 32 – 64. Plus ce chiffre augmente (11-16-22-32), plus l’ouverture du diaphragme se réduit et donc moins la lumière entre. Notons qu’avec une focale constante, l’écart entre une valeur d’ouverture et la suivante (ex 2 et 2.8) laissera entrer deux fois moins de lumière.

L’ouverture du diaphragme est indissociable du choix de la focale de l’appareil.

La focale d’un objectif va déterminer le grossissement de l’image. Plus la focale est grande, plus on peut zoomer et donc accrocher des détails d’un sujet. Cependant, le choix de cette focale peut entrainer des déformations de l’image. En effet, des grandes focales ont tendances à ramener tous les éléments du premier plan et de l’arrière plan au même niveau, ce qui a tendance à rapprocher ces éléments et donc enlever du relief et du volume à l’image. Les courtes focales peuvent déformer les perspectives car le champ de vison est beaucoup plus large (exemple du fisheye).

Focale très courte, effet fisheye, les perspectives sont déformées.

Très longue focale, l’arrière plan est totalement flou, il n’y a pas de profondeur.

                                                                                           Source Naturephotographie.com

EXPOSITION

L’exposition d’une photo correspond à la quantité de lumière qui est reçue par le film (argentique) ou par le capteur (numérique) de l’appareil.

La quantité de lumière reçue par l’appareil dépend de trois paramètres :

• La sensibilité, qui détermine de quelle manière la lumière va être reçue et absorbée par l’appareil.
• L’ouverture, qui va permettre de réguler et contrôler la quantité de lumière entrante.
• La vitesse d’obturation qui va déterminer la durée d’exposition du film ou du capteur.

 

SENSIBILITÉ

Elle est déterminée en ISO. C’est l’échelle qui mesure la sensibilité des surfaces où est envoyée la lumière lors de la prise de vue (capteur en numérique et film en argentique). Plus cette valeur est élevée ( ex : 1600 ISO), plus l’appareil est sensible à la lumière. Il n’y a donc pas besoin d’une très grande quantité de lumière pour avoir une exposition correcte.

A l’inverse, si cette valeur est basse (ex : 100 ISO), il faudra une très grande luminosité pour obtenir une image bien exposée.

Une image bien exposée est une image qui montre un maximum de détails à la fois dans les hautes et dans les basses lumières.

Image sous-exposée

Bonne exposition

Image sur-exposée

                                                                                           Source Naturephotographie.com

RÈGLES DE COMPOSITION

La règle des tiers

La règle des tiers est issue de la règle du nombre d’or, qui permet de déterminer la proportion idéale que prend le sujet dans l’image. Ce nombre d’or a permis d’établir des lignes imaginaires qui découpent l’image en trois parties horizontales et verticales égales. Ce sont les lignes de forces qui composent la règle des tiers, très utilisée pour le cadrage d’une image ou d’une vidéo.

La proportion idéale en photographie est de 1 tiers pour 2 tiers. 

Si l’on cadre son sujet au centre de l’image, cela provoquera une symétrie trop évidente et donc ennuyeuse. La photo risque de manquer de dynamisme et d’intérêt. Il est préférable de cadrer le sujet au tiers de son viseur pour dynamiser l’image. Ces lignes qui divisent l’image se rencontrent en 4 points au centre du visuel qui constituent les points forts de l’image. Il s’agit des points ou l’œil va être naturellement attiré.

Il est donc important de placer dans ces zones des détails et des éléments dominants du sujet et de l’image. Si vous placez dans ces points des détails sans importance, cela pourrait nuire à la lisibilité du visuel.

Par ailleurs, certaines études scientifiques ont montré que nous avions tous le même cheminement visuel lorsque nous observons une image. Ce cheminement est déterminé en fonction de notre culture. En occident, l’œil humain lit une image de haut en bas et de gauche à droite, c’est le cheminement en « Z ».Ce balayage de gauche à droite explique pourquoi une photographie avec des dominantes horizontales paraît plus reposante pour l’œil alors que des dominantes verticales paraissent plus fatigantes.

L’œil est donc attiré par certaines zones précises de l’image.

Il y a les points forts ou le centre de l’image mais il peut également être attiré par les zones avec les plus grandes formes ou bien les zones qui paraissent les plus proches dans l’image. Il est important de noter que l’œil est inconsciemment attiré par d’autres régions de l’image, déterminées par certains paramètres, netteté, premier plan, second plan, diagonales de l’image, couleurs plus ou moins attirantes, etc.

ÉQUILIBRE ET RÉPARTITION DES MASSES

Pour qu’une image paraisse agréable et harmonieuse, elle doit être composée de manière à équilibrer les différentes masses et les volumes présents dans l’image. Ainsi, les masses plus grandes attirent plus facilement l’attention que les plus petites. Il y a également la couleur de ces masses qui entre en compte, la distance qui sépare deux masses entre elles et leur positionnement les unes par rapport aux autres. Il est donc conseillé de placer les masses sur les différents points forts de l’image, en veillant à ne pas estomper des masses importantes.

Ici, on peut constater que les éléments importants du sujet se trouvent à proximité des points forts de l’image, les masses sont en équilibre, la roche occupe la diagonale gauche et le ciel et la mer occupent la diagonale droite. La zone très contrastée et « sombre » des rochers s’équilibre avec la zone plus claire et plus estompée à droite. Les teintes sont en équilibre. Il est important que cette dominante bleue prenne plus d’espace que la montagne, cela éclairci l’image et la rend plus agréable à regarder.

Si les rochers prenaient plus de place que le ciel et la mer, cela assombrirait et étoufferait l’image, enlevant ainsi le côté relaxant du visuel.

On peut remarquer le regard du sujet, orienté dans l’axe de la diagonale de l’image, rappelée et accentuée par la cordée. Dans tous ces exemples de visuels, il y a inconsciemment un élément qui attire l’œil en premier, l’Homme.

En effet, l’œil est automatiquement attiré en premier par le personnage représenté dans le décor. Dans le cas d’un portrait (visage), l’œil sera automatiquement attiré par le regard du modèle représenté. C’est également valable pour les animaux.

                                                                                           Source Naturephotographie.com

ORIENTATION

L’orientation horizontale

Il est appelé « format paysage ». Il correspond le mieux à la vision humaine qui balaye l’espace de gauche à droite et s’adapte au mieux à la prise en main du boitier. Adapté à la prise de vue de scènes générales, paysages, groupes de gens, etc. Cette orientation donne une impression de stabilité, de profondeur et de distance à l’image.

L’orientation verticale

Il est appelé « format portrait ». L’œil balaye l’image de haut en bas. Il est très utilisé pour les prises de vue de portraits ou de sujets et pour des actions se déroulant dans la hauteur. Cette orientation donne une impression de proximité et d’action à l’image.

LE POINT DE VUE

Le photographe choisit sa position par rapport au sujet afin de retranscrire ses sentiments face au sujet.Plus le point de vue s’éloigne plus le photographe montre une certaine distance par rapport au sujet. Inversement, si le point de vue est proche du sujet, le photographe exprime une certaine intimité avec le sujet.

Il y a 3 points de Vue

Hauteur d’œil

Le photographe est à la même hauteur que le sujet, c’est le point de vue le plus neutre. A hauteur d’œil, le sujet représenté n’est pas déformé et la perspective est respectée.

Plongée

Le photographe se situe au dessus du sujet, boitier vers le bas. Il domine le sujet et donne une impression d’isolement au sujet. Ce point de vue écrase les perspectives et tend à déformer l’image.

Contre plongée

Le photographe est situé en dessous du sujet avec le boitier vers le haut. Il donne une impression de domination et de puissance au sujet. Ce point de vue met en avant les éléments au premier plan mais il peut également déformer les perspectives de l’image. En fonction de la focale choisie, le point de vue du photographe varie également : Plus la focale est courte (grand angle), plus il va y avoir de profondeur de champs mais les perspectives vont se déformer (fisheye ou œil de poisson). Plus la focale est grande (téléobjectif) plus les perspectives sont écrasées et moins il y a de profondeur dans le champ.

LES VALEURS DE PLAN

Plan général (PG)

Il représente et situe le sujet dans son environnement. Met en valeur la place du sujet et son rapport avec le lieu où il se situe. La courte focale est conseillée pour obtenir un maximum de profondeur de champs.

Plan d’ensemble (PE)

Plus serré que le plan général, le sujet devient identifiable. Le sujet et son environnement prennent la même place dans l’image. Courte focale conseillée pour un maximum de profondeur de champs.

Plan moyen (PM)

Le sujet est représenté plus serré et dans sa totalité. Il devient plus important que le décor. On peut utiliser une courte focale en se rapprochant du sujet ou bien une longue focale en restant éloigné du sujet.

Plan américain (PA)

Le sujet est cadré à mi-cuisse (il s’appelle plan américain car à l’époque des westerns américains ce plan était très utilisé pour montrer les revolvers des cow-boys). Ce plan isole le sujet et réduit la profondeur de champs. Il est préférable d’utiliser d’assez longues focales car les grands angles déformeraient le sujet.

Plan rapproché (PR)

Isole le sujet et met en valeur certaines zones du sujet. Pour les portraits, deux types de PR, plan taille et plan poitrine, qui mettent en valeur la partie supérieure du modèle, au dessus de la taille ou de la poitrine.

Gros plan (GP)

Met en valeur un détail du sujet et ne montre pas le décor.

Très gros plan (TGP)

Met en valeur une petite partie du sujet uniquement et permet d’isoler un détail du sujet. Il est important pour les GP et TGP de bien éclairer le sujet afin d’obtenir des volumes et des textures réalistes avec des détails précis.

                                                                                           Source Naturephotographie.com